Teclas e afins 15 edicao

Turi Collura Referência no ensino online de música    S    N    I    F    A    &

Amilton Godoy O mestre dos mestres fala de carreira, pedagogia e concepções musicais

E mais: mais : Hammond: as novas gerações Hammond: as Análise estrutural de“Here de “Here Comes The Sun” Arranjo exclusivo de“Arrastão” de “Arrastão” Como aproveitar melhor os timbres timbres de  de seu teclado

Síntese FM Tecnologia ecnologia versátil e poderosa poderos a

Ano 2 - Número 15 - Julho 2015 www.teclaseafins.com.br 

   S    N    I    F    A    &

Ano 2 - N° 15 - Julho 2015 Publisher

Nilton Corazza  publisher@teclaseafins.com.br  Gerente Financeiro

Regina Sobral financeiro@teclaseafins.com.br  Editor e jornalista responsável

Nilton Corazza (MTb 43.958) Colaboraram nesta edição:

Alex Saba, Alexandre Porto, Eloy Fritsch, Ivan Teixeira, José Osório de Souza, Rosana Giosa, Turi Collura, Wagner Cappia Diagramação

Sergio Coletti arte@teclaseafins.com.br  Foto da capa

Divulgação Publicidade/anúncios comercial@teclaseafins.com.br  Contato contato@teclaseafins.com.br  Sugestões de pauta redacao@teclaseafins.com.br  Desenvolvido por

Blue Note Consultoria e Comunicação www.bluenotecomunicacao.com.br  Os artigos e materiais assinados são de responsabilidade de seus autores. É permitida a reproduação dos conteúdos publicados aqui desde que fonte e autores sejam citados e o material seja enviado para nossos arquivos. A revista não se responsabiliza pelo conteúdo dos anúncios publicados.

EDITORIAL Fazer diferente ou fazer a diferença? Essa difícil questão, que muitas vezes assombra a mente de músicos, produtores e (acredite) editores, pode levar a vários saídas. Uma delas é simplesmente fazer algo novo, não importando se o conceito por trás da novidade está sedimentado por convicções sólidas. Talvez isso proprocione sucesso instantâneo, mas nem sempre reconhecimento ou seguidores. Outra é realizar algo mais abrangente, que estabeleça novos parâmetros e sirva de exemplo ou guia para quem acredita nas propostas e vê ali um novo caminho. De modo geral, a primeira se esvai quando o sabor de novidade já não é tão proeminente ou quando a falta de compromisso é evidente. A segunda, por sua vez, traz transformações. Esta edição de Teclas & Afins é dedicada àqueles que fazem a diferença. Nossa matéria de capa traz uma entrevista exclusiva com Amilton Godoy, pianista que, à frente do Zimbo Trio, estabeleceu um novo parâmetro para a música brasileira, equiparando-a às de maior qualidade de todo o planeta. Quem também faz a diferença é Turi Collura que, por meio de sua proposta de ensino de música online, leva informação a todos os cantos do País e, também, ao exterior. Na década de 1980, a Yamaha fez a diferença ao equipar seus sintetizadores com a tecnologia de síntese FM, estabelecendo um novo padrão para a indústria da música. E toda a equipe de Teclas & Afins, com destaque para nossos colunistas, procura fazer a diferença ao divulgar informação de qualidade a todos os amantes dos instrumentos de teclas e de todo o unvierso que o compõe. Esperamos estar atingidno esse objetivo. Boa leitura!  Nilton Corazza

Rua Nossa Senhora da Saúde, 287/34 Jardim Previdência - São Paulo - SP CEP 04159-000 Telefone: +55 (11) 3807-0626 4 / junho 2015

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NESTA EDIÇÃO VOCE EM TECLAS E AFINS 6

O espaço exclusivo dos leitores INTERFACE 10

As notícias mais quentes do universo das teclas entrevista 16

Turi Collura Referência no ensino online de música Vitrine 20

Novidades do mercado materia de capa 26

Amilton Godoy Mestre dos mestres sintese 36

Sìntese FM - Versátil e poderosa Por Eloy Fritsch

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42 livre pensar

O misterioso Phineas Newborn Jr. Por Alex Saba 46 vida de musico

Adicione novas cores à sua música Por Ivan Teixeira 50 palco

Artista ou empresário? Por Wagner Cappia 52 cultura hammond

Os novos mestres Por José Osório de Souza 58 arranjo comentado

Três estilos na mesma canção Por Rosana Giosa 62 harmonia e improvisacao

“Here Comes the Sun” Por Turi Collura

junho 2015 / 5

vOCE em teclas & afins

Vamos nos conectar? Adorei a entrevista com Eliane Elias. É bom saber que ainda está na ativa e representa muito bem a música e a mulher brasileiras, mesmo que vivendo no exterior. (Isabela Mantovanni, por e-mail). R.: Eliane Elias realmente representa muito bem as duas coisas. E seu sucesso é motivo de alegria para todos nós.  Acompanhe nesta edição a entrevista exclusiva com seu mentor, Amilton Godoy, e fique ligada às próximas edições, que trarão muitas novidades.

Foi um imenso prazer e uma honra contar um pouco da minha história e de como vejo nosso mercado nessa entrevista. Muito obrigado pelo convite, Teclas & Afins. (Sidinholeal Tecladista, por e-mail) R.: O prazer e a honra foram nossos, Sidinho. Como sempre dizemos, é nossa obrigação falar daqueles que impulsionam nosso mercado. Forte abraço! 

Graças a Teclas & Afins  conheci mais sobre Ruriá Duprat, esse compositor e produtor que até ganhou um Grammy. Não conhecia sua história, mas imaginei que fizesse parte da família Duprat, tão famosa na música brasileira. Gosto muito quando a revista fala sobre esses músicos menos conhecidos. (Ataulfo Rodrigues, por e-mail) R.: Há uma grande quantidade de músicos não tão conhecidos pelo grande público que representam muito bem o talento e a alma do povo brasileiro, mesmo que em gêneros não tão nacionais. Temos a certeza de que, a cada edição, muitas outras descobertas serão levadas ao nosso público.

Saudações. Estive na exposição que ocorreu no mês de maio em São Paulo, no Expo Center Norte e recebi um “marcador de página com a propaganda de vocês. Em primeiro lugar, parabéns pela iniciativa. (Fabio Ibrahim, por e-mail) Parabéns pela revista Teclas & Afins . Está melhor a cada edição. (Zaqueu Banks, em nossa  página no Facebook) R.: Agradecemos todos pelas felicitações. Nosso intuito é o de levar informação de qualidade a todos aqueles que têm profundo e verdadeiro interesse pelos instrumentos de teclas. Prova disso é que, a partir desta edição, nossos leitores podem enviar suas dúvidas em relação a equipamentos, conexões, técnicas, teoria musical, músicos e qualquer outro assunto relacionado aos universo das teclas. Curtam nossa nova seção, “Pergunte ao especialista”.

6 / julho 2015

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vOCE em teclas & afins

Pergunte ao especialista

Gostaria de saber qual é a diferença entre os sintetizadores CASIO WX-P1 e CASIO WX-G1. (Antonio Lima, por nosso canal no YouTube)

Quem responde é o músico e produtor Fábio Augusto, especialista da Casio Brasil: O XW-P1 é um sintetizador voltado para performances ao vivo e estúdio, por causa de sua  praticidade e do fácil manuseio, oferecendo timbres vintage, knobs e sliders dinâmicos, Step sequencer,Organ Drawbar e timbres PCM. O XW-G1é um sintetizador direcionado para o mercado de música eletrônica, oferecendo sliders e knobs para edição e performance. Ele grava e reproduz takes de arquivos WAV em até quatro regiões do teclado.Com o software dedicado da Casio, conecta-se com iPad/iPhone e plataformas OSX e Windows. Mais informações podem ser obtidas no próprio site do fabricante: www.casio.com.br 

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julho 2015 / 7

vOCE em teclas & afins

Gospel como base  Atuando em vá rias frentes e tendo sempre co mo foco seu aperfeiçoamento, Vandaluz Junior se destaca no cenário musical capixaba

O pianista, tecladista, arranjador e produtor musical Vandaluz Junior nasceu em Vitória, no Espírito Santo, em 1984. Começou seus estudos de teclado aos 8 anos de idade, influenciado por seu pai (João Roberto Vandaluz, tecladista e pianista de Jorge Ben Jor na banda Admiral V). Aos 12 anos, iniciou sua experiência com a música gospel, frequentando a mesma igreja de seu pai: “Caí de paraquedas já em um grupo, sem experiência alguma, nem mesmo de harmonia”, conta. Creditando 90% de importância desse estilo em sua formação, Vandaluz foi procurar mais conhecimento,

8 / julho 2015

para conseguir acompanhar os músicos mais experientes com quem tocava. Com 17 anos decidiu estudar na Escola de Música do Espírito Santo (hoje FAMES - Faculdade de Música do Espírito Santo), em um curso técnico de música popular de três anos. “Na igreja, fui adquirindo experiência, e  já era líder dos instrumentistas, mesmo com pouca idade”, continua o músico. “Falo muito para alunos e amigos que a igreja é uma porta para o crescimento de um músico, pois sempre temos que nos esforçar para cada situação, e até mesmo aprender outros instrumentos para suprir

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vOCE em teclas & afins

a necessidade dos grupos”. O ambiente gospel continua sendo uma seara muito importante na carreira de Vandaluz, que  já trabalhou com Adelso Freire, Lucas Amorim, Sérgio Saas, Adhemar de Campos, Rafael Bitencurt (Ministério Apascentar), Luiz Arcanjo (Trazendo a Arca), Wilian Nascimento, André Valadão e cantores de outros países como Joe Vasconcelos (EUA) e Maria Paz Guzmán (CHILE), além da cantora Bruna Olly, com quem atua até hoje. Tendo estudado com professores do porte de Bruno Venturim e Turi Collura, Vandaluz continua se aperfeiçoando em cursos da Berklee College Music e com o pianista Gilson Peranzzetta. Atualmente, mantém, com Eric Carvalho (bateria) e Denis Feijão (contrabaixo), o MB Trio, oficializado como Grupo Oficial da Faculdade de Música do Espirito Santo (FAMES), que tem como uma das finalidades formar um repertório

NA REDE

inédito e do qual é responsável pelos arranjos. “Na hora de experimentar nos ensaios, sempre há colocações e ideias de todos, quando ocorrem mudanças sempre bem-vindas”, afirma. Envolvido em projetos de gravação de um álbum do trio, e escrevendo material para publicação que abordará uma forma prática de aplicação de técnicas de Reharmonização e Improvisação, Vandaluz tem ministrado master classes e workshops nas disciplinas de arranjos, práticas de conjunto e técnicas de harmonia e reharmonização.

Mostre todo seu talento! Não importa o instrumento: piano, órgão, teclado, sintetizadores, acordeon, cravo e todos os outros têm espaço garantido em nossa revista. Mas tem que ser de teclas! Como participar:

1. Grave um vídeo de sua performance. 2. Faça o upload desse vídeo para um canal no Youtube ou para um servidor de transferência de arquivos como Sendspace.com, WeTransfer.com ou WeSend.pt. 3. Envie o link, acompanhado de release e foto para o endereço contato@teclaseafins.com.br  4. A cada edição, escolheremos um artista para figurar nas páginas de Teclas & Afins, com direito a entrevista e publicação de release e contato. Teclas & Afins quer conhecer melhor você, saber sua opinião e manter comunicação constante, trocando experiências e informações. E suas mensagens podem ser publicadas aqui! Para isso, acesse, curta, compartilhe e siga nossas páginas nas redes sociais clicando nos ícones acima. Se preferir, envie críticas, comentários e sugestões para o e-mail contato@teclaseafins.com.br teclas & afins

julho 2015 / 9

INTERFACE

A VOLTA DA COR Sucesso absoluto de público nos anos 70 e 80, A Cor do Som está de volta à cena em sua formação original. O grupo - formado por Mú Carvalho nos teclados, Dadi no baixo e guitarra, Armandinho na guitarra, bandolim e guitarra baiana, Gustavo Schroeter na bateria, e Ary Dias na percussão - nasceu em 1977 experimentando novos padrões, introduzindo instrumentos elétricos no chorinho e misturando rock com ritmos regionais e música clássica. “Éramos todos meninos e, entre 1979 e 1982 nos sentíamos como os Beatles, com estádios lotados pelo Brasil e sucessos em todas as rádios”, lembra Mú. A Cor do Som foi a primeira banda brasileira a participar do Festival de Montreux, na Suíça, e possui 11 discos gravados, um DVD, e vários prêmios conquistados. Com sua música transbordando brasilidade e modernidade, aliada ao bom gosto e aos excelentes instrumentistas, A Cor do Som está produzindo um álbum de inéditas: “Estamos gravando no meu estúdio, sem pressa”, conta Mú. “O processo é bem lento porque o Armandinho mora em Salvador e aproveitamos as raras vindas dele ao Rio”. O grupo promete repetir o sucesso tocando “Zanzibar”, “Beleza Pura”, “Menino Deus”, “Semente do Amor” e “Abri a Porta”, entre outras, em shows pelo Brasil e o exterior. “Estamos mais maduros e com os pés no chão. Sabemos que aquele tempo, em que a gente saía para uma turnê e ficava vinte dias pelo Sul do país, um mês no Nordeste, acabou, não só para a gente, mas pra todos”, diz o tecladista. “Mas estamos animados, porque quando a gente sobe no palco, é sempre uma felicidade”, conclui.

10 / julho 2015

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INTERFACE

CINEPIANO

Piano nos ares O pianista Ricardo de Castro Monteiro encantou a multidão que assistia a um evento durante a Virada Cultural realizada em São Paulo. Dezenas de metros acima dos espectadores, Monteiro executou obras ao piano suspenso por cabos, acompanhado pela performance da bailarina e acrobata Sandra Miyazawa, suspensa acima dele.

Formado em engenharia mecânica o pianista paulistano Tony Berchmans desistiu da carreira ainda na faculdade, quando montou um estúdio. Aficionado por trilhas de cinema, se licenciou este ano do trabalho como produtor de jingles para se dedicar ao projeto em que acompanha filmes mudos como “O Circo”, de Chaplin. “O que faço era comum na época do cinema mudo: o filme não tinha nenhuma música composta, era lançado sem som e, muitas vezes, um pianista o acompanhava, de improviso, na sala de cinema”, conta o músico. “Minha proposta é recriar essa atmosfera usando um piano acústico e um projetor de 16 mm para cópias em película. Faço questão de colocá-lo no meio da sala, para as pessoas ouvirem o barulho e terem a sensação de estar em um lugar mágico”.

MIL TALENTOS O apresentador Otaviano Costa é mais um que se dedica ao piano e à música. Desafiado por Rafa Brites no programa SuperStar Web, Costa interpretou “Georgia On My Mind”, sucesso na voz de Ray Charles, com execução correta e seu estilo peculiar. Não é a primeira vez que o ator se apresenta ao piano, e em todas demonstrou habilidade e familiaridade com o instrumento. teclas & afins

julho 2015 / 11

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O ano de Iv Ivan an Ao completar 70 anos de idade e 45 de carreira, o pianista, cantor e compositor Ivan Lins comemora oferecendo ao público mais de dez projetos seus ou em sua homenagem, que incluem uma biografia e um documentário. Nome reconhecido internacionalmente há mais de 30 anos, gravado por Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald e Jane Monheit, entre outros, o artista lançou este ano o CD América, Brasil. No ano que vem, devem sair um CD com arranjos e uma biografia escrita pela pianista Thais Nicodemo. Também estão sendo produzidos um CD de músicas sertanejas, letradas pelo paulistano Rafael Altério, e uma coleção de fados cantados por nomes em ascensão na música portuguesa, como António Zambujo e Carminho.

12 / julho 2015

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Conheça as publicações da SOM & ARTE E D I T O R A

INICIAÇÃO AO PIANO POPULAR Volumes 1 e 2  L  A NÇ    A  Inéditos na   ME    NT   O  área do piano popular, são livros dirigidos a adultos ou crianças que queiram iniciar seus estudos de piano de forma agradável e consistente.

HÁ VAGAS! A Allianz acaba de anunciar, em conjunto com a Fundação Internacional de Música de Lang Lang, a 3.ª edição do Allianz Junior Music Camp. As candidaturas já estão abertas, podendo os interessados submeter dois curtos vídeos para avaliação. O estágio, destinado a 10 jovens pianistas do mundo inteiro, terá lugar em Viena, na Áustria, entre 18 e 24 de novembro. A iniciativa é vista como uma oportunidade única de contato com o pianista chinês Lang Lang. O Allianz Junior Music Camp inclui aulas de piano-solo com professores da Youth Academy of the University of Music and Performing Arts, além de atividades culturais. O grande atrativo do estágio é uma masterclass com Lang Lang na Wiener Musikverein, uma das salas de concerto mais conhecidas do mundo. “Esta iniciativa procura inspirar a próxima geração de músicos clássicos e alimentar a sua paixão pela música. Ao observar esta nova geração de embaixadores da música e constatar como partilham a sua paixão e espalham a mensagem do poder da música para um público mais vasto, fico muito otimista relativamente ao futuro do piano”, diz Lang Lang. Para se inscrever, clique na foto. teclas & afins

MÉTODO DE ARRANJO PARA PIANO POPULAR  Volumes 1, 2 e 3 Ensinam o aluno a criar seus próprios arranjos.

REPERTÓRIO PARA PIANO POPULAR Volumes 1, 2 e 3

    o      ã     ç     a     c      i     n     u

    m     o      C     e      t     o      N     e     u      l      B

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Trazem 14 arranjos prontos em cada volume para desenvolvimento da leitura das duas claves (Sol e Fá) e análise dos arranjos.

Visite nosso site para conhecer melhor os 3 Métodos e os 3 Repertórios

www.editorasomearte.com.br Contato: [email protected] julho 2015 / 13

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PARABÉNS! 2

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Durante o mês de julho comemora-se o aniversário de várias personalidades ligadas ao mundo das teclas. 8 3

3

Vince Clarke (1961)

5

 Ahmad Jamal (1930)

4

Rhoda Scott (1938)

7

Dr. Lonnie Smith (1942)

15

6

“Champion Jack” Dupree (1910)

Vladimir Ashkenazy (1937)

Pinetop Perkins (1913)

7

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16

 Arthur Moreira Lima (1940)

Vince Guaraldi (1932)

Wanda Landowska (1879)  Joe Zawinul (1932)

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Rick Davies (1944 )

22 Brian Auger (1939)

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Guilherme Arantes (1953)

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 Jon Oliva (1960)

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Richard Wright (1943)

14 / julho 2015

Flávio Venturini (1949)

Hank Jones (1918)

Kate Bush (1958)

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ENTREVISTA

Nilton Corazza

Turi Collura: ensino online de qualidade 16 / julho 2015

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ENTREVISTA

Nova referência Conversamos com Turi Collura - pianista, compositor, e  professor de música com consolidada experiência didática - diretor pedagógico do site Terra da Música, que promete consolidar-se como referência para a informação musical de qualidade em língua portuguesa e revolucionar o ensino de música De forma geral, qual é a proposta do Terra da Música? O Terra da Música é um site de informação e de educação musical. Oferece acesso gratuito a artigos, palestras, entrevistas, vídeos, playbacks, resenhas de livros e publicações etc. Com alguns amigos, realizamos um sonho que eu tinha há cinco anos: criar um site de informação musical em língua portuguesa que fosse referência nacional – e por que não internacional, já que temos alunos de Angola e até da Austrália! Queremos construir a maior comunidade musical do Brasil que toca, que aprende música, que busca informações sobre equipamentos e instrumentos, e, sobretudo, formação musical. O site nasceu na metade de abril deste ano, mas já chamou a atenção de leitores, professores de música e de colaboradores. A ideia é a de um site colaborativo. Este é o ponto de força de nossa proposta: agregar valores e conhecimentos, trazendo músicos de ponta, sejam eles professores ou músicos profissionais. teclas & afins

Além de conteúdos gratuitos, o site vende cursos online. Qual é a proposta didática e a vantagem desses cursos? A proposta é a de oferecer cursos de qualidade com custos reduzidos e que ajudem o aluno no desenvolvimento do seu potencial artístico e criativo. Os cursos são de instrumento e de matérias teórico-práticas (como composição, arranjo, improvisação, linguagem e percepção musical, rítmica etc). Por meio da tecnologia, músicos de qualquer lugar do mundo têm seu ponto de encontro dentro de uma plataforma de ensino “viva”, interagem, trocam experiências e informações. Imagine isso: antigamente comprava-se um livro e, sozinhos, íamos ler, tentando entender a ideia de seu autor. Que tal se o livro pudesse ser “vivo”, permitindo a interação entre leitor e autor, ou, ainda entre os leitores? Que tal um livro que contivesse vídeos, botões onde “apertar o play”? Criamos um sistema em que é possível interagir através julho 2015 / 17

ENTREVISTA

Turi Collura: ensino online diretamente de seu estúdio

da plataforma de ensino à distância. Não existem mais barreiras, basta uma conexão à internet. Ao escolher o curso, o aluno tem à disposição toda a informação e as tarefas organizadas em aulas sequenciais. O aluno pode acessar os seus cursos quando quiser, de onde quiser, com total flexibilidade de horários e de prazo para concluir os estudos. De que forma o aluno interage com o professor? A proposta diferenciada em que acreditamos é a da assistência do professor, que está disponível para tirar dúvidas, avaliar os trabalhos dos alunos, ajudar os músicos em seu desenvolvimento musical. Cada página do curso, cada aula ou tópico possui um espaço para fazer perguntas, comentar, publicar os próprios vídeos, interagir com 18 / julho 2015

o grupo e com o professor e assistentes. Os cursos online são um substituto às escolas de música tradicionais? A ideia não é substituir as escolas de música, mas somar, agregar valor e oferecer informação de qualidade em campos específicos. Hoje, fazer um curso online chega a custar até 80% a menos que uma uma escola tradicional. Isso acontece em todas as áreas, não só no âmbito da música. Quem é o cliente dos cursos online? De forma geral, todos aqueles que buscam informação: compradores de livros e métodos didáticos, estudantes, profissionais ou professores de música. De fato, podemos distinguir diferentes perfis de clientes. O primeiro é o aluno que está cursando uma escola tradicional e que teclas & afins

ENTREVISTA

encontra nos cursos online aquele “plus”, em termos de informação e de dinâmicas de estudo/ensino. Há também o músico, profissional ou amador, que não tem tempo para frequentar uma escola tradicional. Os cursos online são, ainda, uma fonte de informação, estudo e “reciclagem” para professores de música. Um elemento importante dos cursos online em sites do exterior é o fato do aluno receber algum certificado. A proposta do Terra da Música contempla isso? Sim, certamente. Terra da Música   oferece oportunidades de desenvolvimento profissional para músicos e professores de música que desejam crescer no trabalho e na carreira artística. Os certificados são muito importantes. Eles atestam a frequência dos cursos, sua carga horária, a formação e a experiência pela qual o aluno passa. Eles são emitidos automaticamente assim que o aluno concluir cada módulo ou cada curso, dependendo do caso. Quem são os professores e colaboradores? Quanto aos professores, estamos preparando algumas surpresas que envolvem músicos “da pesada”, os nomes são ainda “top secret” (risos) ! De forma geral, buscamos profissionais especializados em áreas específicas e avaliamos suas propostas didáticas.

A equipe do Terra da Música   analisa o diferencial pedagógico, o currículo do professor e o diferencial do curso que pode ser oferecido; estuda, junto a ele, como realizar os conteúdos dentro das diretrizes propostas pelo site. A ideia de base é essa: se alguma coisa leva “o carimbo” do Terra da Música, então deve tratar-se de uma informação relevante e confiável. Há, também, os colaboradores, que contribuem para o conteúdo do site com algum artigo interessante, com entrevistas, vídeos, áudios etc. Recebemos os colaboradores com muito prazer. Alguém tem algo de interessante para contar ao mundo? O Terra está aí para isso. Planos para o futuro? Acabamos de “abrir as portas”, e, no, momento, estamos investindo no desenvolvimento de metodologias próprias que visem a otimização da relação tempo de estudo/resultados e do desenvolvimento de habilidades dos alunos. Mas já temos programado o que iremos acrescentar em breve, como, por exemplo, as videoconferências ao vivo, a organização de concursos e a presença do Terra da Música em festivais de música. Eu, pessoalmente, estou elaborando um curso de harmonia aplicada que possa constituir-se como referência importante em língua portuguesa.

NA REDE

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julho 2015 / 19

VITRINE

 Toque nos produtos para acessar vídeos, informações e muito mais!

KORG HAVIAN-30 Pride Music – www.korg.com.br 

A Pride Music traz ao mercado o KORG HAVIAN-30, que combina piano digital com recursos de teclado arranjador. O modelo oferece sons de pianos de cauda - gravados em múltiplos níveis de dinâmica - e verticais, todos com ressonância das cordas, além de elétricos dos tipos tine e reed, clavinet, honky-tonk, órgão, cravo entre uma coleção de 950 timbres, alguns deles com recurso de meio-Pedal (Half-Dump), e 64 kits de bateria. Para o usuário, são reservados 256 sons e 128 kits de bateria com possibilidade completa de edição. A seção de efeitos traz quatro blocos de Master Effects em estéreo, 125 tipos, EQ de três bandas para cada pista e Limiter e EQ paramétrico de quatro bandas na saída. O modelo vem carregado com 420 Styles de fábrica, livremente reconfiguráveis, e até 1.040 alocações de memória incluindo bancos Favorite/User. Cada estilo possui oito pistas, quatro Single  Touch Settings e um Style Setting, além de três Intros, quatro Variations, quatro Fills, Break, três Endings, Autofill, Synchro Start/Stop, Tap Tempo, Manual Bass, Bass Inversion, Memory, Accompaniment Mute, Kick & Snare Designation e Chord Sequencer. O equipamento ainda oferece Player, Função Jukebox compatível com SMF e MP3, letras compatíveis com CDG, Score Markers, Transpose (+6/-5 semitons) e mudança de andamento para MP3 (+/-30%), sequencer, Song Book e 88 teclas European Hammer-Action sensíveis à velocidade. 20 / JUlHO 2015

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VITRINE

Ritmüller UP121

Pianofatura Paulista – www.piano.com.br  O piano vertical UP121  da R itmüller Piano Company, empresa fundada na Alemanha em 1795, carrega a herança clássica da marca e os padrões de excelência atuais, missão a cargo do mundialmente renomado master piano des igner Lothar  Thomma. Com apenas 121 cm de altura e 60 cm de profundidade, o modelo compacto é ideal para residências e pequenos espaços, oferecendo 88 teclas e três pedais em latão fundido. O mecanismo com martelos com feltro duplo faz companhia à estrutura de 5 colunas de madeira maciça e à tábua harmônica de Spruce com 11 costelas. Com acabamento em imbuia ou preto de alto brilho, o piano oferece tampa com amortecedores e banqueta regulável, além de garantia de 5 anos.

Yamaha P-115

Yamaha Musical do Brasil – www.yamaha.com.br  O piano digital Yamaha P-115 traz teclado GHS (Graded Hammer Standard) que gradualmente altera a sensibilidade para que o músico o sinta mais pesado quando toca notas graves e mais leve quando toca notas agudas. O piano também traz teclado realista ao toque, com teclas pretas de acabamento matizado. O modelo utiliza a tecnologia de geração sonora “Pure CF Sound Engine” com som gravado a partir do famoso piano de concerto CFIIIS da marca. A função aper feiçoada de ressonância simula a reverberação de um piano de concerto, permitindo nível mais deta lhado de expressão das nuances sonoras. Entre os recursos, estão disponíveis 14 timbres, 14 padrões rítmicos de bateria com ajuste de tempo, 192 vozes de polifonia e quatro tipos de reverb (Recital hall, Concert hall, Salon e Club). O P-115 vem equipado com terminais AUX-OUT e USB TO HOST para que seja ligado diretamente a um computador. Além disso, é compatível com o aplicativo Digital Piano Controller para iPhone ou iPad.

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JUlHO 2015 / 21

VITRINE

Alan Parsons Imperial Grand e Terry Bozzio Drums IK Multimedia - www.ikmultimedia.com

Duas novas bibliotecas de sons para o SampleTank 3 para Mac e PC estão disponíveis. A coleção  Alan Parsons Imperial Grand   traz o piano de cauda de concerto Bösendor fer Model 290 gravado pelo lendário produtor-engenheiro Alan Parsons em mais de um gigabyte de conteúdo e 650 samples estéreo. As notas foram sampleadas em oito diferentes velocidades para o melhor realismo e tocabilidade. A Terry Bozzio Drums  é uma imensa biblioteca de 1.7 gigabyte, com mais de 1.800 samples de bateria e 350 loops, todos tocados por Terry Bozzio em pessoa e gravados por Ken Scott.

THE BEATLES Hunter Davies Editora BestSeller Preço de capa: R$ 65,00

Em 1966, Hunter Davies era jornalista e já havia entrevistado os Fab Four e lido os poucos livros publicados sobre o quarteto. A ideia de escrever um livro definitivo sobre a banda do momento parecia perfeita e, surpreendentemente, eles toparam. Brian Epstein, o empresário, não apenas concordou com a empreitada como ainda garantiu: depois que o livro saísse, durante dois anos os Beatles não falariam com mais ninguém. The Beatles foi publicado em 1968 e dois anos mais tarde a banda não existiria mais, tornando esta a única biografia autorizada de um dos grupos musicais mais influentes da história. Durante 18 meses entre 1967 e 1968, Davies acompanhou John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr e George Harrison em shows, gravações, turnês e em momentos particulares, em casa, com suas famílias. Reuniu fotos raras, entrevistou pais, esposas e amigos dos músicos, documentou a infância e a vida pré-Beatles dos quatro. Para atualizar a história, Davies adicionou a esta edição um prólogo com material novo, uma reflexão sobre a história dos integrantes após o fim da banda e detalhes dos bastidores da negociação do livro. No fim, também como parte da revisão, há ainda relatos sobre personagens entrevistados por Davies e que morreram ao longo destas quase cinco décadas. 22 / JUlHO 2015

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VITRINE

Tempo Guilherme Ribeiro Independente Tempo  é o título do quarto CD de carreira do pianista, tecladista, acordeonista, arranjador e compositor Guilherme Ribeiro. Acompanhado por Vinícius Gomes (guitarra e violão de aço), Daniel de Paula (bateria), Sidiel Vieira (contrabaixo acústico), Ricardo Braga (percussão) e com a participação do saxofonista Felipe Salles, o músico deixa transparecer no álbum a grande influência da música instrumental contemporânea e do pop, e dos timbres dos sintetizadores e pianos elétricos nascidos nos anos 60, como Mellotron, MiniMoog, Fender Rhodes e Wurlitzer, além do piano acústico. A inspiração surgiu das métricas ímpares, forte característica de suas criações. O álbum traz composições de Ribeiro (“Pra Cada Coisa”, “O Seu  Tempo”, “Evening Mist”, “O Agora”, “Desper tar”, “Verônica”, “Desatino”, “Sim, Não,  Talvez”) e inclui uma versão para Canto de Ossanha, de Baden Powell e Vinicius de Moraes. Música de qualidade, muito bem acabada, que enriquece a seara instrumental brasileira. Altamente recomendável! (Nilton Corazza)

teclas & afins

JUlHO 2015 / 23

materia de capa

alexanadre porto e NILTON CORAZZA

 Amilton Godoy: estilo único

26 / julhO 2015

teclas & afins

materia de capa

Mestre dos Mestres  Amilton Godoy fez história à frente de um dos mais icônicos grupos da música brasileira, criando e sedimentando nosso estilo instrumental de maior  projeção internacional, e, hoje, transmite a bagagem de conhecimento acumulada em mais de 60 anos em sua escola na capital paulista, onde já formou diversas gerações de músicos da mais alta qualidade teclas & afins

julho 2015 / 27

materia de capa

Não se pode dissociar o nome do pianista Amilton Godoy do grupo que estabeleceu as bases da moderna música instrumental brasileira: o Zimbo Trio. Nascido no auge do movimento de renovação de nossa música, por volta de 1964, e formado por Rubens Barsotti e Luiz Chaves, além do próprio Godoy, o conjunto trazia a proposta de tocar música brasileira de qualidade, com todo o requinte que a sólida formação instrumental dos mú sicos e a excelente escolha de repertório poderia proporcionar. O sucesso imediato alavancou a carreira do grupo e o tornou referência de estilo e identidade na fusão da música brasileira com o jazz. Hoje, passados mais de 50 anos de su a criação, o Zimbo Trio ainda é o exemplo a ser seguido por centenas de grupos instrumentais, que levam e elevam nossa m úsica a patamares cada vez mais altos.

História

Amilton Godoy é natural de Bauru, c idade do interior paulista, e nasceu em uma família de músicos. O avô tocava alaúde e seu pai tocou violino em orquestra e trabalhava como trompetista em uma boate da cidade. Um de seus tios por parte de pai tocava trompete. Outro, por parte de mãe, era maestro e pianista. O ambiente musical da casa era propício: seus dois irmãos - Adilson e Amilson tornaram-se profissionais. Sua primeira professora foi Nida Marchioni, que lecionava pelo método tradicional. As harmonias e melodias populares surgiram por influência do pai e do tio: o grupo formado por Amilton, então com 11 a nos, e os irmãos já fazia sucesso pelo interior paulista. A proximidade com o “nãoerudito” fez que a mestra se recusasse a continuar lhes dando aulas, forçando-

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 Amilton Godoy: bauruense famoso 28 / julhO 2015

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os a procurarem por alternativas. Mas a base técnica sólida – iniciada com os tradicionais Czerny e Beringer – seria de muita valia no futuro. Efísio Aneda, ou tro professor da cidade, recebeu Amilton e os irmãos e lhes deu aulas, incluindo harmonia tradicional, até falecer, dois anos mais tarde. Sem opções, os garotos voltaram a estudar com a antiga professora, até que ela aconselhou o pai a enviá-los a São Paulo. Depois de um teste com Nellie Braga, Amilton passou a estudar na escola M agdalena Tagliaferro, que o levou a participar de concursos e acumular prêmios. Em 1962, foi terceiro colocado no Concurso Nacional da Bahia, prêmio conquistado novamente em 1963 no Concurso Nacional do Rio de Janeiro. No ano seguinte, foi vencedor do IV Concurso Nacional Eldorado e Medalha de Ouro no Prêmio Governador do Estado de São Paulo, além de vencedor do Concurso Nacional Hora de Arte como Melhor Intérprete de Villa-Lobos. A carreira erudita parecia pavimentada, mas o popular falou mais alto. O jazz e o Zimbo

Para manter-se em São Paulo, além da bolsa de estudos que ganhou em um do s concursos, Amilton passou a trabalhar como músico. Para isso, precisou aprender a aplicar o conhecimento adquirido nas aulas de piano e harmonia no repertório popular. Logo recebeu o convite do saxofonista Casé para integrar seu quinteto. Aprendeu, então a improvisar, tirando de ouvido as mú sicas e desenvolvendo seus próprios solos baseados nos discos que ouvia. Tendo como parâmetros George Shearing e Oscar Peterson e, no Brasil, Moacyr Peixoto e Dick Farney, Amilton uniu a teclas & afins

Palco: lugar preferido

formação clássica com a espo ntaneidade do jazz e da música brasileira, formando seu repertório de recursos e linguagens. O Zimbo Trio foi formado a partir do convite feito pelo baterista Rubinho Barsotti para compor, ao lado do contrabaixista Luiz Chaves, um trio para tocar na Boate Baiúca. O primeiro show com o nome, porém, foi na B oate Oásis, no centro de São Paulo, em 17 de março de 1964, acompanhando Norma Bengell. O termo Zimbo, retirado do dicionário afrobrasileiro, significa boa sorte, felicidade e sucesso. Zimbo era também uma antiga moeda que circulava no Congo e em Angola. Em 1965, o trio passou a fazer o acompanhamento fixo do programa O Fino da Bossa, da TV Record, apresentado por Elis Regina e Jair Rodrigues, que divulgava novos talentos. O resto faz parte da história! A sonoridade e a qualidade musical do Zimbo Trio, influenciador de inúmeros músicos e grupos, estão registradas em 48 discos gravados e lançados no Brasil e em outros 22 países, estabelecendo uma carreira internacional sólida e invejável. O grupo tocou em mais de 40 países e com orquestras sinfônicas da Venezuela, da Argentina, do Uruguai e da julho 2015 / 29

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para palestras por escolas de música e Universidades e continua à frente do Centro Livre de Aprendizagem Musical (CLAM), criada pelo Zimbo Trio. Foi ali, em sua sala na escola, que Amil ton Godoy nos recebeu, com a simpatia que as pessoas do interior sa bem ter, para uma conversa superagradável, recheada de exemplos musicais e histórias. A bossa nova foi fortemente influenciada pelo jazz. Mas, graças a músicos como vocês, também o influenciou...

Contagiante: música com alegria

Colômbia, além, obviamente, do Brasil, e apresentou-se nas mais importantes casas de espetáculo do mundo. Entre os prêmios conquistados, como Troféu Imprensa, Roquete Pinto, Pinheiro de Ouro, Chico Viola, Índio de Prata, Cândido Mendes, merecem destaque o VII Prêmio Sharp de Música, Prêmio Tim de Música 2008, e o 23 º Prêmio da Música Brasileira. Com a morte de Luiz Chaves, em 2007, e por conta de desentendimentos com a família do baterista Rubens Barsotti, Amilton Godoy, depois de duas outras formações do grupo, abriu mão de usar o nome que ajudou a construir desde 1964. Capitaneando projetos-solo e em parceria com a flautista Lea Freire, tem turnês agendadas pelos Estados Unidos, tanto para apresentações quanto 30 / julhO 2015

Depois que a bossa nova apareceu, os músicos de jazz começaram a perceber que tinham nas mãos um trunfo: as melodias brasileiras, bem feitas harmonicamente, sobre as quais eles poderiam improvisar e contar suas histórias. Um dos primeiros foi Stan Getz, que era considerado um monstro na época, com o João Gilberto. A Astrud dava um tema e, em algumas gravações, o Stan Getz poderia estar improvisando até agora (risos) . É uma beleza ouvir aqueles solos dele. Hoje, a bossa nova, o ritmo, o suingue b rasileiro, estão incorporados pelos músicos de fora. Eles encontraram uma linguagem própria para tocar nossa música. Tocam do jeito deles e ficam felizes em dizer que tocam música brasileira. Mas a música brasileira é muito mais que uma levada de bossa nova. Tem muito mais jogada para levar do que simplesmente conduz ir em bossa nova. O que o m úsico brasileiro tem que fazer, sem preguiça, é entrar no folclore brasileiro, nas influências brasileiras, estudar u m compositor, pegar uma música e dizer: “essa música tem uma levada diferente”. O que aconteceu com o Zim bo Trio? Nesses 49 anos, foram 40 países. Há alguns em que voltei 17 vezes! Para a América Latina, nã o dá nem teclas & afins

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para saber quantas vezes fomos. Europa, Como surgiu o CLAM? Estados Unidos, rodamos o mundo inteiro, Surgiu da vontade de oferecer aos até África. alunos o que não tivemos: ensino de música popular com base sólida e sem preconceitos. Éramos muito procurados Como o trio trabalhava os arranjos? Os três partic ipavam da ideia central que para aulas. Então, montamos uma editora alguém propunha. É importante que o e começamos a produzir métodos com pianista - pela própria característica do nossa maneira de tocar. O aluno chega trio, já que ele vai conduzir a melodia aqui e encontra vários professores, de – chegue e apresente uma maneira de diferentes estilos. Mas há uma espinha tocar para os outros músicos pe rceberem dorsal, o sistema CLAM de educação que podem criar possibilidades em cima musical, que todo mundo segue. daquilo. Isso sempre funcionou muito Os professores possuem diferenças bem no Zimbo. “Domingo no Parque”, por individuais, são as costelas. E cada aluno exemplo. Conheci essa canção porque pode querer tocar um estilo diferente, era do júri que escolhia a s 36 músicas do nada é engessado. Eliane Elias queria Festival da Record. Eu era responsável um caminho diferente do Felix Wagner. pelas músicas. Tinha o Décio Pignatari, O Nico Assumpção, contrabaixista, foi um ano, escolhendo a letra. No outro, o Ferreira Goulart. Sempre ge nte de cabeça aberta, para perceber as coisas novas que estavam surgindo. Para escolher as músicas, eu estava em todos os festivais, desde os tempos da Excelsior. Tínhamos a partitura e tudo mais. Aí ouvi aquela música do Gil. Pego a essência dela com ele tocando com o violão, mostrando a música, sem part icipação do grupo ainda, ou do Rogério Duprat. Ninguém ainda descaracterizou coisa alguma... “Ponteio”, com o Edu Lobo ca ntando com o violão... Então, eu partia da essência da música, crua. Assim como com as músicas do Milton Nascimento, que conheci antes de todo mundo! O Zimbo Trio teve essa sor te, de pegar esse pessoal no início. Em um determinado disco nosso, eles começam a aparecer. O primeiro disco tem uns caras novos: Baden e Vinícius (risos) . No terceiro tem os sambas-jazz do Baden. Teve uma em época que destacamos Chico Buarque. Em outra, Gilberto Gil, e assim por diante. No CLAM: estrutura completa     o     n     a      i     r     a      M     o     g     r     a     m     a      C     a      i     v     a      l      F

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“A escola tem que melhorar o nível da plateia, já que não consegue colocar todo mundo em cima do palco” 

meu aluno também. Tinha uma cabeça espetacular para música e buscava outro caminho. Então, o que vou ensinar para ele? É importante transmitir o conhecimento para o aluno, sentir qual o caminho dele e qual a importância dele conhecer determinados assuntos, para não ficar fazendo bobagem, algo sem fundamento. “Eu quero estudar música atonal!”. Primeiro, ele precisa conhecer a música tonal pra depois fazer o “a”, de tal forma que ele não incorra nela. O cara está na faculdade, fica quinhentos mil anos lá, sai e não consegue viver de música porque não aprendeu nada daquilo que o mercado exige. Ele não está preparado para aquilo. Ele estudou outra coisa. Os professores acadêmicos também não sabem tudo aquilo que 32 / julhO 2015

a gente sabe. Infelizmente, ainda está tudo muito separado: o erudito segurou aquela peteca para ficar ali, e o músico popular é quase um proscrito na cabeça deles... A Unicamp começou a ter um curso popular. O Ciro Pereira chegou a ir para lá. Mas há uns caras lá em cima que fazem a coisa virar “curso especial”, sem fazer parte do currículo. No CLAM, não influenciamos no estilo qu e o aluno quer seguir. Passamos conhecimento musical que ele pode usar no tipo de gênero de que ele mais gostar. Como vê hoje o mercado de trabalho para os músicos?

É muito compl icado falar disso. A Ordem dos Músicos tinha uma proposta, me lembro, no começo. Mas também havia teclas & afins

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um sindicato, e as instituições divergiam entre si. Havia músicos que a gente sab ia que eram atuantes, que pertenciam ao sindicato, mas tinham que ter a carteira da Ordem e, para isso, tinham que tocar erudito. Isso acabou enfraquecendo demais a categoria. Somos um a categoria sem presença alguma. O sindicato é inexpressivo. Fizeram o que quiseram com os músicos e ninguém os defendeu. Quando a música mecânica começou a entrar nas excelentes casas em que havia música ao vivo, isso foi feito sem nenhu m problema, porque era do interesse das grandes gravadoras internacionais que o Brasil fosse não um produtor de c ultura, mas consumidor de coisa ruim. Não há interesse nenhum de melhorar o nível da plateia. Sempre digo que a escola tem que melhorar o nível da plateia, já que não consegue colocar todo mundo em cima do palco. E tem que cumprir essa meta. Quanto mais ignorante o povo, mais ignorantes os representantes dele. Então, chegamos ao Status Quo atual. Olhe aonde c hegamos! Por que na música haveria de ser diferente? A boa música no Brasil passa por problemas. Assim como o ensino de m úsica. A música instrumental quase não existe mais, não tem espaço. Daqui a pouco, quem vai acompanhar os cantores famosos ou fazer arranjos? Não pode mos deixar isso acontecer!

Chico Buarque... E todo mundo ficou quieto! Ninguém falou nada! E todos foram artistas consagrados por fazer música brasileira. Como é que o cara fala isso? O qu e ele quer dizer com isso? Quando começamos a fazer música de categoria, de nível, já existia essa música sem conteúdo, digamos assim. A música brasileira sempre concorreu e sempre procurou seu espaço - a música de qualidade - com essa músic a pop que existe. Não sou contra, porque cada um vai atrás daquilo de que gosta. Pode gostar! O que não pode é fechar po rtas de outros movimentos que existem. O que não pode é chegar a um lugar onde há quatro ou cinco mú sicos tocando e, de um dia para o outro, dizer: “está despedido

Mas há um retorno de música ao vivo em casas noturnas...

Mas não é o suficiente. Assim como toc ar Tom Jobim na novela das nove também não. Certo dia, ouvi uma entrevista do André Midani na televisão: “O futuro do Brasil é o rock”, ele dizia. Ao lado dele estavam Gilberto Gil, Caetano Veloso, teclas & afins

Postura: posição perfeita julho 2015 / 33

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porque vou colocar música mecânica”. Não pode existir monopólio! O mal vem sendo feito no decorrer dos tempos. Não posso reclamar da minha profissão. Mas é mal protegida, mal defendida pelas instituições que deveriam cuidar bem dela. Sou uma exceção. Não posso reclamar, porque a música me deu tudo.

de crescimento da música brasileira. Falo da importância de Canção do Amor Demais , por exemplo, trabalho de Jobim com Vinícius que a Elizeth (Cardoso) cantou. Toco as músicas. Fiz uma versão instrumental em forma de suíte desse trabalho, que ficou muito bonito. Falo de cada compositor com projeções, como Carlos Lyra, com o monte de Como você se sente com tantos alunos parceiros dele. Esses caras tiveram uma que formou e influenciou tendo destaque importância muito grande. Depois, a música brasileira foi tendo contribuições no mercado? É muito bom! E é muita gente. Em excelentes, como Djavan e Ivan Lins. Essa primeiro lugar, sempre agradeço por linha de música de qualidade continua terem nos procurado (risos) . Acredito até hoje, menos divulgada, m as continua. que atendemos às expec tativas deles. Ter Isso não pode acab ar. alunos desses, que estão a fim, é muito importante. Você está a fim de fazer certo Depoi s de três formações do Zi mbo Trio, e o cara está a fim de estudar... Ele acha você vem trabalhando com Edu Ribeiro que, porque está estudando comigo, vai e Sidiel Vieira no Amilton Godoy Trio. progredir. E progride mesmo, porque já Como vê as novas gerações de músicos? vem com isso na cabeça. Mas tem uma São músicos muito bem formados. O coisa: eu nunca “ensebei”, nunca levei ensaio rende porque você escreve e os “mais ou menos”. Para mim, isto é sério! caras saem tocando! É impressionante o que os caras leem. Digo que são todos músicos “leiteros” (risos) . Então você já Como as palestras auxiliam nisso? Falo sobre alguns temas, entre eles começa tendo resultado. Se escrever a Villa-Lobos, por exemplo. Quando falo partitura de piano, eles até preferem, de bossa nova, explico todo o processo porque veem o que vai acontecer com os evolutivo que houve, de renovação e outros. O rendimento é muito grande.

NA REDE

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SINTESE

POR ELOY FRITSCH

Responsável pelo enorme sucesso comercial do Yamaha DX-7, ao lado de outros recursos implementados pela fabricante, a FM é uma técnica de síntese que possibilita a criação de uma grande variedade de timbres, usada para simular instrumentos acústicos,  pianos elétricos e sons não tradicionais, proporcionando uma efetiva economia no processo computacional.

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sintese

sintese versatil e poderosa teclas & afins

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SINTESE

FB-01 Sound Generator Um dos sintetizadores FM mais baratos da década de 1980 foi o FB-01. Esse módulo contém vários sons de instrumentos sintetizados como piano, órgão, metais, baixo e guitarra. Possui oito partes multitimbrais e a programação dos timbres pode ser realizada com mais simplicidade se o músico utilizar um software editor como o Unisyn.

Na música, a técnica de modulação de frequência foi introduzida por John Chowning, da Universidade de Standford, e baseia-se nos mesmos princípios usados na transmissão de rádios FM. O primeiro experimento realizado por Chowning foi empregar um sinal de áudio (chamado de modulador) para controlar a frequência de um oscilador (chamado de portador) na produção de sons ricos em harmônicos. A abordagem mais básica de um instrumento baseado em síntese FM é composta de dois osciladores senoidais chamados de modulador (modulator – aquele que modula) e portador (carrier – aquele que é modulado). Juntos irão determinar quais as frequências que serão produzidas para formar o espectro harmônico.

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Entendendo a síntese FM A Modulação de Freqüência (FM) é o controle da frequência de um som. Quando um violinista produz o vibrato, ao movimentar o dedo que prende a corda ele pode estar alterando a frequência do som do violino sete vezes por segundo, ou seja, 7 Hz (Hertz). Um “trillo” é produzido quando o violinista aumenta a modulação para próximo de 14 Hz. Essas alterações podem ser obtidas eletronicamente nos sintetizadores quando o LFO (Oscilador de Baixa Freqüência) modula o oscilador. Entretanto, quando a frequência aumenta acima de 20Hz, o som não é mais ouvido como vibrato, mas como uma modificação do timbre. Isso ocorre porque, quando um oscilador modula outro em frequência,

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sintese

Os sintetizadores FM da Yamaha Depois do lançamento dos aclamados sintetizadores CS-80 e GX1, o departamento de órgãos da Yamaha comprou a licença da síntese FM e começou a investir na nova tendência. Os algoritmos FM de Chowning foram usados pela empresa em um primeiro

novos harmônicos são produzidos de cada lado da portadora em intervalos de igual frequência do modulador. Por exemplo, se uma frequência portadora de 1000 Hz for modulada por 100 Hz, o resultado será a produção dos harmônicos: (900 Hz e 1100 Hz), (800 Hz e 1200 Hz), (700 Hz e 1300 Hz), (600 Hz e 1400 Hz) prosseguindo ao infinito. No gráfico, a frequência portadora é denominada Fp e a frequência moduladora Fm. O número de parciais na síntese por modulação de

protótipo monofônico chamado MAD. Em 1981, antes da era MIDI, a Yamaha produziu o sintetizador polifônico GS1 (à esquerda) com oito operadores e quinhentos presets. Apenas 100 unidades desse modelo foram vendidas. A Yamaha lançou o GS-2 e, depois disso, resolveu produzir modelos mais baratos e acessíveis, como o CE20 e o CE25 (acima), que deram origem ao Yamaha DX-7, modelo lançado em 1983. frequência são determinadas pela soma e subtração da Fp pela Fm, conforme o gráfico. Sempre que possível, os valores de frequência da onda portadora e da moduladora devem ser expressos por meio de relações. Por exemplo, a razão 1:3 (um para três) é empregada para representar a relação entre as frequências portadora 110 Hz e moduladora 330Hz. A razão 2:1 indica uma relação para as frequências portadora 880 Hz e moduladora 440 Hz.

ELECTONE FX-1 A Yamaha continuou acreditando no mercado dos sintetizadores lançando o Yamaha Electone FX-1. Esse instrumento semelhante ao órgão é um dos sintetizadores FM polifônicos mais complexos, caros e raros já produzidos. Ele oferece todas as possibilidades sonoras de um órgão padrão e de um sintetizador polifônico em um único instrumento. Quando foi lançado, em 1984, custava por volta de 44 mil dólares. Nesse mesmo ano, foi lançado o sintetizador DX-1. teclas & afins

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SINTESE

SY-99 Na década de 1990, a Yamaha combinou dois ou mais tipos de síntese em um mesmo instrumento, como é o caso do SY-99. Nesse modelo, podem ser encontradas a síntese FM com seis operadores e a tecnologia AWM2 para reprodução de samples com 267 formas de onda existentes na memória ROM. Implementação modular da FM Nos sintetizadores comerciais, mecanismos de FM foram encapsulados em mó dulos que só possibilitam manipulação de funções em alto nível, chamados operadores. O usuário só possui acesso a um número limitado de parâmetros para o controle dos operadores. Cada operador consiste basicamente de um gerador de envolvente e um oscilador que pode ser usado como portador ou modulador. Os sintetizadores da Yamaha da linha DX são programados pela interconexão apropriada de um número de operadores constituindo um algoritmo. A Yamaha utiliza alguns tipos importantes de algoritmos: aditivos, pares, pilhas, múltiplos portadores e múltiplos moduladores.

Até seis operadores podem ser recombinados com o objetivo de criar novos patchs que podem ser armazenados na memória. O gerador de som FM do Yamaha DX-7 usa seis operadores. Já outros modelos que o precederam, como o DX-9, DX-11 e o DX-21, usam apenas quatro deles.

Eloy F. Fritsch Tecladista do grupo de rock progressivo Apocalypse, compositor e professor de música do Instituto de Artes da UFRGS onde coordena o Centro de Música Eletrônica. Lançou 11 álbuns de música instrumental tocando sintetizadores, realizou trilhas sonoras para cinema, teatro e televisão. 40 / julho 2015

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ANOS DEPOIS, ELE RESSURGE! O LENDÁRIO SYNTH ANALÓGICO QUE TRANSFORMOU SUA GERAÇÃO.

KORG.COM.BR

livre pensar

POR ALEX SABA

O misterioso Phineas Newborn Jr. Quando cheguei ao estúdio naquela manhã, o som estava alto. Muito alto. Nenhum revestimento acústico dos bons seria suficiente para abafar aquilo. Mas reconheci a música. Estranhei e, por isso, demorei a reconhecer. Era “Well, You Needn’t” de Thelonious Monk com sua introdução “pra lá de manjada”. Só que era reproduzida à perfeição, por tanto não era ninguém tocando aquilo ao vivo. Quando cheguei à técnica, Sevé não estava lá. Havi a uma capa de LP jogada no chão e a gaveta do toca-discos estava puxada, com um belo vinil rodando ali. Peguei a capa que estava emborcada no chão. Claro, como não percebi logo que era ele? 

Phineas Newborn Jr foi um dos melhores pianistas de seu tempo, tão misterioso ou mais até que o próprio Thelonious Monk. Costuma-se dizer que Monk é soturno. Sendo assim, este aqui ganha o troféu mistério de Teclas & Afins . Por conta de problemas físicos e mentais, ele praticamente desapareceu de cena lá pelo meio da década de 1960. O pai dele era músico de blues, e seu irmão um guitarrista de jazz, com quem começou a trabalhar nas bandas de R&B em Memphis, chegando a gravar com o saudoso B.B.King no início dos anos 50. Depois de se mudar para New York, em 1956, esse pianista surpreendeu os fãs e os críticos. Trabalhou com Charles M ingus, em 1958, e Roy Haynes, mas geralmente se apresentava no formato de trio ou quarteto, sempre à frente. Suas primeiras gravações - em 1956, para os selos Atlantic, Victor, Roulette e Contemporary - são 42 / julho junho 2015 2014

impressionantes. Infelizmente, de m eados dos anos 60 até meados da década de 1970, quando desapareceu de vista, quase foi esquecido, sendo subvalorizado e pouco gravado. Mesmo com registros para

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os selos Contemporary e Atlantic, em 1969, Pablo, em 1976 e Philips, em 19 77, soando como um músico em plena forma, não era assim que ele se sentia e passava a maior parte do tempo em Memphis. Ensaiou um retorno parcial no final dos anos 70, início dos 80, embora isso aparentemente não conseguiu beneficiar sua situação financeira. M orreu em 1989, após a descoberta de um câncer em seus pulmões, e foi enterrado no Cemitério Nacional de Memphis. De acordo com o historiador de jazz Nat Hentoff, a situação dele estimulou a fundação, em 1989, da Jazz Phineas Newborn J r. no auge da carreira Foundation of America, grupo dedicado a auxiliar grandes jazzistas Phineas Newborn continua a ser um pouco aposentados com as contas médicas e de mistério. Atormentado por problemas outras necessidades financeiras. No início físicos e mentais de origem desconhecida, de 1990, quatro pianistas formaram a Newborn desapareceu de cena em meados Piano Contemporary Ensemble (Harold dos anos 60, apenas para ressurgir em Mabern, James Williams, Mulgrew Miller e intervalos irregulares ao longo de sua Geoff Keezer) para prestar homenagem a vida. Newborn poderia ser comparado a esse grande músico. O grupo gravou dois Oscar Peterson por seu estilo baseado em álbuns e excursionou internacionalmente. bop em grande parte inclassificável e sua Fiquei parado no meio da técnica, com técnica fenomenal. E ele era muito capaz de a capa na mão, lendo a extensa nota da encantar uma plateia tocando uma música contracapa, enquanto ouvia o disco. É inteira apenas com a mão esquerda.” impressionante como Phineas Newborn Jr. pôde ter problemas mentais de saúde (leia- O álbum se, entrou em depressão) quando críticos The Great Jazz Piano of Phineas Newborn disseram que seu estilo era “fácil”.  Jr,  abre com a difícil “Celia”, de Bud Powell, O biógrafo Scott Yanow escreveu: “um dos mostrando seu domínio técnico. É uma boa pianistas mais tecnicamente qualificados faixa para chamar a atenção logo de cara. e brilhantes do jazz durante seu auge, Depois, vem“This Here”, de Bobby Timmons, teclas & afins

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livre pensar

Look Out - Phineas is Back! : o retorno em 1978

e fica muito clara a independência entre suas mãos, com as escalas lembrando o já citado Oscar Peterson, mas sem os resmungos característicos dele. “Domingo”, de Benny Golson, traz um interessante uníssono de mão esquerda com o baixista Leroy Vinnegar que, com Milt Turner na bateria, colabora no “Lado A” (as cinco primeiras faixas) do disco. Só na quarta faixa, “Prelude to a K iss” (Irving Gordon, Irving Mills e Duke Ellington) é que podemos respirar, apesar da “levada” mais tensa. A impressão que fica é de que Phineas não relaxa, estando pronto para explodir a qualquer momento. Ele não explode, mas o improviso é bem mais relaxado, apesar das frases rápidas, curtas e difíceis da mão direita. “Well, You Needn’t” é a faixa que ouvi assim que entrei no estúdio. E voltamos nós a bater os pés pra acompanhar o pianista. “Theme for Basie”, do próprio Newborn - agora com Sam Jones no baixo e Louis Hayes na bateria - abre o “Lado B ”. É uma 44 / julho junho 2015 2014

bela balada em 4/4 e, apesar de ser um tema para o famoso mae stro Count Basie, não tem menos intensidade e possui muito mais notas do que Basie tocaria. “New Blues” é outra faixa composta pelo pianista , um lindo e lento blues que antecede “Way Out West”, do saxofonista Sonny Rollins. A essa altura, parece que essa seção rítmica deixa Phineas mais à vontade, não mais técnico mas apenas mais relaxado, já que a condução de Louis Hayes é mais tranquila. Nessa faixa há umas inversões de mãos, ou quase isso, bem interessantes, com a mão esquerda fazendo a melodia enquanto a direita cuida de outros assuntos, às vezes uma escala ou repetindo uma curta frase. A conhecida “Four”, de Miles Davis, encerra o disco, trazendo de volta o up tem po das faixas iniciais. Mas, espere. Não acabou. Uma versão  ja ponesa dess e mesmo disco traz uma faixa extra com a mesma seção rítmica. “Moon R iver”, de Henr y Mancini e Johnny Mercer. Uma bela maneira de encerrar, com Newborn muito à vontade e tranquilo, mesmo com o tempo mais acelerado do que o esperado e quase convencionado dessa balada. Foi uma bela surpresa voltar a esse disco meio que esquecido na prateleira. Procurei o Sevé pra ver o que ele estava fazendo e qual o motivo de ter colocado o som tão alto. Quando encontrá-lo, pergunto, porque, pelo visto, ele abandonara o posto por algum motivo que só ele sabe. Pensando bem, é melhor deixar pra lá, porque esse paraibano originário de Bayeux (ele pronuncia Baiú) é capaz das coisas mais incríveis, inclusive ouvir Phineas Newborn Jr em volume tão alto quanto os fãs de Metálic a, Iron Maden ou Black Sa bbath. Vai entender... teclas & afins

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vida de musico

por ivan teixeira

Adicione novas cores à sua música Saber usar os timbres de seu teclado pode ser, em muitos casos, a grande solução

Piano, Rhodes, Warm Pad, Sine Lead (que todo mundo chama de Moog) e órgão (Hammond). Será que nessa pequena lista se encontram pelo menos 90% de suas opções? Muito se fala dos teclados la nçados e das bibliotecas cada vez maiores. Mas será que você está aproveitando o recurso principal dos teclados que, sem dúvida alguma, são as opções de diferentes e ótimos timbres? Mesmo em situações em que o estilo musical te restringe a poucas saídas, você pode encontrar soluções para “colorir” muito mais seu som.

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Varie entre as diferentes opções de pianos

Sei que todo mundo, assim como eu, tem em seu setup um timbre de piano preferido. Mas, de repente, aquela música que tem uma parte de piano simples e discreta pode ganhar uma perspectiva diferente usando um timbre mais “estragado”, com algum efeito que, comumente, não usaria em um timbre como esse, como um chorus, uma distorção, um vibrato ou até mesmo um trêmolo. Imagine sua ideia com um timbre mais ousado, como uma camada mais moderna no som. Se você tem um

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vida de musico

segundo timbre de piano que considera aceitável, divida o seu setlist entre essas duas opções. Se tiver mais opções para isso, use. A mesma coisa vale para os timbres de piano elétrico, principalmente se você faz uso frequente da família Rhodes. Os teclados, normalmente, dividem esses timbres considerando-os por época. Subdividindo de Marks I até VII, você terá opções muito interessantes para também espalhar durante a sua performance. A utilização de efeitos pode aumentar ainda mais as opções. Particularmente, faço a substituição de Rhodes para os Wurlitzers que são até mais interessantes em situações em que você pode optar por timbres mais opacos e escuros mas não menos maravilhosos. Ouse utilizar timbres que normalmente você descartaria

Explorar timbres, na maioria das vezes, exige experimentação, degustação. Existem acordes, harmonias e convenções que, com um pouco m ais de experiência, o músico sabe se vai dar ce rto ou não só de ver na partitura ou quando mencionada. Isso não se aplica aos timbres. Vamos, amigo! Você não pode ser preguiçoso a esse ponto. Isso pode ser crucial p ara sua carreira e para sua boa fama de tec ladista cuidadoso com som. Consequentemente, você passa a ter mais possibilidades de trabalho que seus colegas “preguiçosos”. A beleza da gastronomia é que os ingredientes são conhecidos por todos, mas a técnica de preparo, o paladar e o bom gosto, fazem dos pratos, únicos. Gosto desse exemplo porque não vejo melhor descrição para justificar o bom gosto que encontro em diversos tecladistas que, por meio de timbres considerados “os mesmos”, conseguem resultados distintos e maravilhosos. teclas & afins

First Steps Cory Henry

Se você não sabe quem é esse americano, precisa conhecer. É tecladista de um dos grupos musicais mais aclamados da atualidade, o Snarky Puppy. A primeira faixa é a minha preferi da, “First S teps”. Acredi to que ele também a cha isso, porque é a faixa que dá título ao álbum. Esse é um conceito que você precisa incorporar: experimente suas ideias nas músic as, toqu e “diferente” com um timbre diferente. Essa é a minha mais importante dica. Não dá pra tocar com um timbre nada usual do mesmo jeito que tivesse tocando piano. Não mes mo! Você não vai conseguir agradar nem mesmo a você. Para quem nunca fez isso, é bom gastar esse tempo de pesquisa em casa para não deixar os outros músicos no ensaio querendo jogar seu teclado pela escada abaixo. Nunca descarte a possibilidade de utilização de um timbre. Considere substituir timbres orgânicos por sintetizados JULHO 2015 / 47

vida de musico

Oxygène Jean Michel Jarre

IV  TOTO

Como ele fez aquilo, pouca gente sabe. Sem dúvida alguma, foi o maior sucesso desse criativo, revolucionário e, muitas vezes, discriminado tecladista. Ele deveria ser o seu herói, muito mais que o Wolverine. Fez esse disco em um estúdio improvisado em sua casa, no ano de 1976. Vendeu 12 milhões de cópias (só desse álbum). Se você tiver um P.A. em sua casa, sugiro ouvi-lo ali. A mixagem,por si só, é uma obra de arte.

Todos os álbuns dessa banda são verdadeiras aulas para qualquer pessoa que lida com música. Os guitarristas amam, os bateristas, os baixistas, os compositores, cantores, engenheiros de áudio… Mas os tecladistas idolatram. Duvide de um tecladista se ele disser que não gosta de TOTO. A melhor aplicação de teclados a canções pop. Todo mundo deveria tirar o solo de synth de “Rosanna” (desse álbum). Muita categoria de David Paich e Steve Porcaro.

Adoro alguns timbres de cordas que tenho, mesmo sendo “de teclado”. Tenho algumas bibliotecas VSTs poderosíssimas instaladas em meu computador, mas às vezes, um timbre menos realístico é uma opção a ser considerada. Tenho gostado mais, ultimamente, das Synth Strings do que de meus tão idolatrados Warm Pads (principalmente aqueles do JV-2080 e os da biblioteca do Ivory. Quem tem sabe do que estou falando). Estou em uma fase em que aquelas simulações cool dos Oberheims e todas as tentativas dos outros fabricantes (todo teclado tem uma biblioteca de

Synth Strings inspirada neles) me agradam profundamente. Elas “arranham” mais as músicas, tem mais atitude. Alguns Analog Pianos também cumprem o mesmo papel.

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Ouça músicas que utilizam esses recursos para conhecer a linguagem

Não tenho dúvidas que entender como podem ser feitas as diferentes aplicações de timbres é primordial para compreender a “mecânica” dessas possibilidades. Portanto, ouça artistas, álbuns e períodos da música que utilizaram esses recursos. Uma pesquisa básica do Google pode te teclas & afins

vida de musico

dar isso, mas gostaria de sugerir a audição desses três álbuns indicados na matéria, que talvez você nunca tenha ouvido, até mesmo por um infeliz preconceito: Conclusão

Minha ponderação final neste artigo é que nós, tecladistas, temos a possibilidade de imprimir diferentes “cores” a qualquer música, de qualquer estilo. Ser tecladista é estar mesmo atento a esses detalhes, conectado com as tendências do passado que viraram referências, e as do presente, que dizem onde queremos chegar com nossa música. Temos que ter o espírito aberto para o novo e o diferente, com bom

gosto suficiente para não deixar nossas escolhas caírem no ridículo (às vezes existe a possibilidade de que você esteja muito à frente do seu tempo, fazendo sua música soar estranha). Sei que você vai se sair bem. Use esse artigo como um ponto de par tida e encontre o seu caminho no meio de tantas referências. Boa sorte!

Ivan Teixeira Pianista de formação erudita, tecladista por sua própria escolha, Ivan Teixeira é proprietário da produtora de áudio IMUSI, produzindo, compondo e arranjando diversos projetos para cantores, cinema, publicidade e games. Trabalha com nomes importantes da música brasileira e tem sua própria carreira e seus discos  gravados. Adora história da música, sintetizadores digitais, analógicos e virtuais.

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PALCO

POR WAGNER CAPPIA

Artista ou empresário? Vislumbrar uma carreira de sucesso - ser reconhecido pelo  público como um ar tista talentoso e de presença permanente - é quase sempre o ponto de partida de todo músico, mas, para chegar lá, talento musical e técnica não são mais suficientes: é preciso encarar a música como um empreendimento

Independentemente do momento da carreira, o músico precisa entender que, estudar alucinadamente não é uma opção, mas uma obrigação. No entanto, compreender que outros fatores serão determinantes para que tudo funcione, inclusive em cima do palco, é vital. É preciso uma gestão financeira adequada, principalmente quando ainda não há tanto dinheiro envolvido, por exemplo, e p ensar em como será a distribuição de cachês em uma banda e como será gerado um

fundo de reserva e investimento. Também é necessário manter uma pessoa jurídica, para que o artista tenha acesso a grandes projetos, contratos, e uma infinidade de coisas que não tem relação direta com a arte em si. O músico é artista quando está exposto. Fora disso, ele deve ser um empresário. Atitude

Além dos aspectos administrativos, o músico precisa pensar em sua postura

Palco: mais que arte 50 / JULHO 2015

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PALCO

como artista também. Deve saber como se comportar em uma entrevista, por exemplo, e pensar em agenda, logística de palco e tudo mais. Como tecladista, levo uma série de equipamentos ao palco: dois (às vezes três) teclados, laptop, estantes, interface de áudio, cabos e pads. Não posso chegar a um evento e ficar “batendo a cabeça” para montar todo o equipame nto, seja eu ou um roadie. Todo o processo deve seguir uma ordem. Tenho que pensar na montagem e no teste de todo o equipamento. Sim, problemas acontecem! Como citei nas edições anteriores, trabalhar com tecnologia sem contingência é suicídio. Pensando empresarialmente, o evento em que participo possui sua logística e sua organização e não posso me tornar um problema. Portanto, em absolutamente todas as minhas apresentações, estou no local com pelo menos uma hora de antecedência. Quando o palco é liberado, vou direto ao espaço destinado pra mim, monto todo o equipamento e testo tudo o mais rapidamente o possível. E se houver algo que possa ser antecipado, uma conversa breve com o técnico de som economiza muito tempo (onde estão as tomadas e sua voltagem, onde será colocado o DI e outras informações que possam ajudar no processo). No palco, é comum algum acesso do público. Mas, nos processo de montagem

e desmontagem, gentilmente deixo claro que não posso atender e que depois do show estarei à disposição. Parece óbvio, mas é muito comum encontrar músico atrapalhando o trabalho da organização do evento porque quer ser a estrela para seu público no mom ento errado. Música é um trabalho sério, por vezes divertido, mas envolve muito mais que apenas diversão, “pegação” ou qualquer outra ilusão que se tenha a respeito do mundo artístico. O lado divertido está lá, o assédio está lá, mas nada disso terá brilho se o artista não se comportar como profissional, responsável e organizado. Independentemente do palco e de quantas pessoas estão na plateia, a postura deve ser a mesma. Na verdade, nenhum músico chegará à nata dos eventos se não pensa r dessa forma e ficará eternamente p reso ao underground, que é legal, mas é apenas uma fase na carreira (ou deveria ser).

Wagner Cappia Iniciou seus estudos em piano clássico em 1982, com formação pelo Conservatório Dramático Musical de São Paulo. É sócio-diretor do Conservatório Ever Dream (Instituto Musical Ever Dream), tecladista, compositor e arranjador da banda Eve Desire e sócio-proprietário e responsável técnico do estúdio YourTrack. Músico envolvido na cena metal, procura misturas de estilos que vão desde sua origem natura l na música erudita até a música contemporânea, mesclando elementos clássicos e de ambiente em suas composições. Especialista em tecnologia musical, performance ao vivo para tecladistas, coaching para bandas, professor de piano, teclado e áudio. www.cappia.com.br - www.evedesire.com - www.institutomusicaleverdream.com teclas & afins

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cultura hammond

por Jose Osorio de Souza

Barbara Dennerlein: Hammond e tubos

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cultura hammond

Dennerlein, Goldings e DeFrancesco: os novos mestres  As novas gerações de organistas, do final dos anos 1980 pra cá, têm visitado os antigos mestres, imitando-os e juntando contemporaneidade ao passado

A arte humana é eterna, pelo menos enquanto dura. Seus períodos criativos, de pioneirismo e real inovação, têm começo, meio e fim. Contudo, o talento humano é infinito para manter o que foi criado, sempre adicionando algo novo. O que é realmente bom sempre apaixona e, mesmo se ficar esquecido por um tempo, volta à vida. Entre os novos mestres do Hammond - que nem são tão novos assim – vamos citar alguns, cuja apreciação não pode faltar a uma cultura musical de qualidade. Barbara Dennerlein

Organista alemã, nasceu em Munique em 1964. Começou a tocar órgão aos 11 anos de idade, depois de ganhar um instrumento Hohner. Teve aulas com Paul Greisl, que tinha um Hammond B-3, então se interessou pelo instrumento e instalou um pedalboard em seu Hohner. Aos 13 anos, adquiriu seu primeiro Hammond e aos 15 já tocava em clubes de jazz de primeira linha. Em 1985, quando seu álbum Bebab   foi lançado, Dennerlein montou seu próprio selo de gravação e passou a administrar seu trabalho, porque percebeu que não tinha apoio de outras gravadoras - ou teclas & afins

mesmo da Hammond - que, na época, estavam mais interessadas em promover modelos de órgãos digitais e não o B-3 que ela usava. Conquistou dois prêmios German Record Critics’ pelo trabalho que produziu. Depois, pelas gravadoras Enja Records e Verve Records, trabalhou com Ray Anderson, Randy Brecker, Dennis Chambers, Roy Hargrove, Mitch Watkins e Jeff ‘Tain’ Watts. Dona de espetacular técnica com os pés, Dennerlein modificou um pedalboard da Hammond para tocar samples de baixo acústico por meio de tecnologia MIDI e gostou muito do resultado. Resolveu então alterar também os manuais para tocarem timbres de samplers e sintetizadores externos. Essa sonoridade imprimiu características únicas ao seu estilo de tocar. Tendo inicialmente sido influenciada pelo  jazz, começou a se interessar por música clássica e litúrgica. Gravou com órgão de tubos em 1994 e, em 2002, fez o primeiro de três álbuns de jazz em órgão de igreja. Desde 2003, tem desenvolvido projetos com orquestras sinfônicas, incluindo colaboração com a Orquestra Filarmônica de Berlim em um órgão Karl Schuke. JULHO 2015 / 53

cultura hammond

 Joey DeFr  Joey DeFranc ancesc esco: o:  parce  par ceria ria co com m Jimm Jimmyy Smit Smithh

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Joey DeFrancesco

Um dos mais talentosos artistas de sua geração, Joey DeFrancesco, organista, cantor e trompetista norte-americano, nasceu em Springfield, Pennsylvania, no ano de 1971, em uma família de três gerações de músicos. Seu pai, o “papa” John DeFrancesco, é organista reconhecido e ganhou o “Oklahoma Jazz Hall of Fame’s Living Legend Award” em 2013. Joey DeFrancesco começou a tocar com 4 anos e aos 5 já dedilhava repertório de Jimmy Smith. Aos 10, formou um a banda com Hank Mobley e Phill y Joe Jones e abriu shows para Wynton Marsalis e B.B. King. Cursou “Creative and Per forming Ar ts” no Philadelphia High School e aos 16 anos assinou contrato de exclusivida de com a Columbia Records. No ano seguinte, fez sua primeira gravação,  Al  A l l o f M e , trabalho considerado de grande influênc ia para a volta do uso do Ha mmond no jazz. No final dos anos 1980, DeFrancesco  ju  j u nt o u - s e a M i l e s D av i s e s u a b a n d a p a ra uma turnê na Eu ropa seguida da gravação do álbum  Am  A m a nd l a . No início dos anos 1990, gravou alguns discos e, aos 18 anos, montou seu próprio quarteto. Com 22 anos, fundou o grupo The Free Spirits com o guitarrista John McLaughlin e o baterista Dennis Chambers, com o qual excursionou e gravou. Em um desses álbuns, Tokyo Live , também tocou trompete. Em 1999, DeFrancesco gravou ao vivo, no San Francisco Jazz Festival, o álbum Incredible! . Seu ídolo, Jimmy Smith, participou em algumas faixas. Em 2005, DeFrancesco lançou o álbum Legacy , no qual Jimmy Smith também colaborou, sendo essa a última gravação do mestre do Hammond, que faleceu em 20 04, antes do lançamento. DeFrancesco foi indic ado ao Grammy Award desse mesmo ano teclas & afins

pela gravação   Falling in Love Again . Em 2009, tocou e produziu o filme Moonlight Serenade  e, em 2011, foi indicado a o utro Grammy, como “Best Contemporary Jazz Album” por Never Can Say Goodbye: The Music of Michael Jackson . Virtuose e exímio improvisador, DeFrancesco recebeu, dentre outras aclamações, o título de melhor organista B-3 do planeta pela JazzTimes, além disso tem colaborado com a indústria de instrumentos musicais se envolvendo em projetos e promoções. Larry Goldings

Nasceu em Boston, Massachusetts, em 1968. Estudou música erudita até os 12 anos, mas durante o colégio começou a se encantar com o jazz de Erroll G arner, arner, Oscar Peterson, Dave McKenna, Red Garland e Bill Evans. Na adolescência, teve aulas particulares com Ran Blake e Keith Jarrett e, em 1986, mudou-se para Nova York. Já nessa época, tocou piano na banda de Sarah Vaughan, Harr y “Sweets” “Sweets” Edison e Al Cohn e, enquanto ainda cursava o colégio, saiu em turnê com Jon Hendricks. A partir de 1988, Goldings começa a aparecer regularmente como organista no

 Joey  Joe y DeFrance De Francesco: sco: renascime renas cimento nto do B3 JULHO 2015 / 55

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Larry Goldings: compositor e arranjador 

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cenário musical de Nova York, em várias bandas e com seu próprio trio, formado com o guitarrista Peter Bernstein e o baterista Bill Stewart. Gravou seu prim eiro álbum, Intimacy Of The Blues , em 1991, seguido por mais de uma dezena deles, colaborando também como músico de estúdio com diversos artistas, em vários estilos, tanto como organista quanto como pianista. Em 2007, Larry Goldings, Jack DeJohnette e John Scofield receberam indicação para o Grammy na categoria de “Best Jazz Instrumental Album” individual ou grupo por seu álbum Trio Beyond – Saudades (ECM). Músico completo, tem composições gravadas por diversos artistas, como Michael Brecker, Jack DeJohnette, Bob Dorough, Jim Hall, John Scofield, Toots Thielemans, Curtis Stigers, Jane Monheit e Sia Furler, dentre outros, além criar e arranjar música para cinema.

 Jose Osório de Souza Pianista de formação erudita, foi  proprietário de estúdio e escola de música e Suporte Técnico da Roland Brasil. É tecladista da noite, compositor e escritor.  Ama história e tecnologia dos  sintetizadores e samplers, mas é apaixonado por teclados vintages, blues, rock progressivo e música de cinema. Atualmente atua como músico gospel na cidade de Itu (SP). teclas & afins

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arranjo comentado

por rosana giosa

Três estilos na mesma canção “Arrastão” é uma canção diferente das convencionais  porque é composta de três partes distintas, cuja soma de ritmos faz dela uma das mais ricas composições do nosso cancioneiro e um exemplo de como uma música popular  pode ser criativa e especial 

Temos observado que as músicas que ouvimos e conhecemos, em geral, se enquadram em um mesmo estilo do começo ao fim. Desse modo, as classificamos ou rotulamos como samba, bossa nova, canção ou outros gêneros que estudamos. Mas nem sempre isso acontece. Um bom exemplo disso é “Arrastão”, uma composição maravilhosa de Edu Lobo e Vinicius de Morais que venceu o 1º Festival da Música Popular Brasileira da TV Excelsior, em 1965, na voz de Elis Regina. Vale comentar que a explosiva apresentação de Elis surpreendeu a todos pelo contraste entre aquela canção e o minimalismo da bossa nova, movimento musical que vivia seu auge à época e, por isso, essa apresentação foi considerada o marco de um novo estilo na chamada música popular brasileira. “Arrastão” é uma composição diferente das convencionais porque é composta de três partes distintas. A primeira é um misto de baião com algo que não conseguimos rotular, assim como certos ritmos criados especificamente para algumas canções que não foram repetidos com frequência que justificasse dar a eles nomes ou rótulos. Na segunda parte, claramente identificamos um samba. Na terceira parte, surge uma canção meio “chorosa” e recitativa. Essa soma de ritmos faz dessa canção uma das mais ricas composições do nosso cancioneiro e um exemplo de como uma música popular pode ser criativa e especial. Introdução -  Oito compassos apresentam a levada que será o apoio da primeira parte. Na

metade do primeiro compasso, é uma célula de baião, mas se desenvolve de forma rítmica e arpejada na outra metade e no compasso seguinte. Dessa forma, procura dar ao arranjo a sensação de tensão e movimento, muito forte na primeira par te da composição original. A1 - O tema se apresenta acompanhado dessa levada por 16 compassos. B -  Nesse momento, o padrão de samba nos dois primeiros compassos se alterna com acordes nos dois compassos seguintes criando dessa forma um contraste com o movimento tenso do período anterior. C - Mais contrastante ainda é essa terceira parte, em que uma canção mais livre, até de andamento, descansa o tema e faz a preparação para, logo em seguida, retomar a tensão e o movimento da parte A. A2 - O tema se repete, agora com algumas novidades para criar mais interesse e tensão, e termina numa coda aclamativa e forte. 58 / JULHO 2015

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“Arrastão”

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arranjo comentado

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Rosana Giosa Pianista de formação popular e erudita, vive uma intensa relação com a música dividindo seu trabalho entre apresentações, composições, aulas e publicações para piano popular. Pela sua Editora Som&Arte  lançou três  segmentos de livros: Iniciação para piano 1, 2 e 3 ; Método de Arranjo para Piano Popular 1, 2 e 3 ; e Repertório para Piano Popular 1, 2 e 3. Com seu TriOficial e outros músicos convidados lançou o CD Casa Amarela, com composições autorais. É professora de piano há vários anos e desse trabalho resultou a gravação de nove CDs com seus alunos: três CDs coletivos com a participação de músicos profissionais e seis CDs-solo. Contato: [email protected] teclas & afins

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HARMONIA E IMPROVISACAO

por turi collura

“Here Comes the Sun” Nesta edição, faremos a análise estrutural e harmônica de uma música muito famosa dos Bea tles, composta por George Harrison e lançada no icônico disco Abbey Road, de 1969

Um pensamento norteia, desde sempre, meu trabalho, meus estudos, meus cursos de música: é importante aprendermos com quem faz para valer! Em outras palavras, no que diz respeito à música, é importante olharmos ao que “os grandes” fazem. Pode ser um bom improvisador, um bom compositor, um bom intérprete e por aí vai. No caso da composição, como podemos aprimorar nossas composições ou aprender coisas novas? Certamente uma ideia interessante é analisar as composições que têm se afirmado no mercado musical. Nesta edição, faremos a análise estrutural e harmônica de uma música muito famosa

dos Beatles, “Here Comes the Sun”, composta por George Harrison e lançada no icônico disco Abbey Road, de 1969. Segundo o próprio autor, a música foi composta em uma ensolarada manhã de primavera, provavelmente de abril – após um longo inverno britânico – na casa de Eric Clapton, e gravada entre 7 de julho e 19 de agosto. Os músicos da gravação

George Harrison: voz, violão, guitarra e sintetizador Moog; Paul McCartney: vocais e baixo; Ringo Star: bateria; Foram utilizados também instrumentos de orquestra: quatro violas, quatro cellos, um contrabaixo, dois piccolos (flautim), duas flautas, duas flautas alto e duas clarinetas. John Lennon não comparece nessa música, pois estava se recuperando de um acidente de carro. A estrutura musical

Antes de tudo, sugiro duas ou três audições repetidas da música! A primeira vez para curtir o som, ver o lado estético da canção. Em seguida, sugiro uma segunda audição mais analítica para perceber a forma da música, e uma terceira para observar os instrumentos e suas tarefas dentro da canção. Após uma audição analítica da música, surge a pergunta: qual é a fórmula de compasso utilizada? 4/4? Percebeu alguma 62 / JULHO 2015

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HARMONIA E IMPROVISACAO

fórmula de compasso diferente? Mais de uma? Ouça novamente! A música, que está na tonalidade de Lá maior, é basicamente composta por duas partes: estrofe e refrão. Começa com uma introdução baseada na estrofe e realizada de forma instrumental nos primeiros oito compassos e, a seguir, cantada ao longo

de cinco compassos. A introdução termina com o que parece ser “a marca registrada” da música, uma sequência instrumental de dois compassos com um desenho rítmico muito interessante: uma frase com um acento a cada três notas que cria uma sensação de “ilusão polirrítmica”. Veja a estrutura da introdução:

Após a introdução, a canção começa “pra valer” sobre as palavras “Little darling” (0:30m) apresentando a estrofe, que será repetida duas vezes. A harmonia dessa seção apresenta, basicamente, os acordes I, IV, V e uma dominante secundária (B7, V7/V) que não é resolvida. São 16 compassos, mais um

compasso que liga as partes. A melodia é baseada na escala pentatônica de lá maior, utilizando apenas as notas lá-si-dó#-mi-fá#. Veja a estrutura da estrofe, até a conclusão da “casa 1”, observando a harmonia, as células melódicas e, no final, a frase instrumental que chamei de “marca registrada da música”:

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HARMONIA E IMPROVISACAO

Após a repetição da estrofe, a música prossegue de maneira interessante, diferente. Tratase de uma ponte que prepara a chegada do refrão, baseada na estrutura deste último.

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HARMONIA E IMPROVISACAO

Temos aqui duas coisas muito legais para observar: uma sequência harmônica diferente (bIII – bVII – IV – I), ou seja, uma sequência de acordes que procede por quartas descendentes até o I grau – e que ainda se estende para mais uma quarta descendente até o V grau. A segunda coisa que observamos é uma mudança na

fórmula de compasso (e que mudança!): 3/8; 5/8; 4/4; 2/4. Muito interessante, não? E como soa bem! A imagem a seguir mostra a estrutura do refrão, que começa com poucos compassos repetidos por quatro vezes, tipo isto: “Gostou dessa coisa diferente? Quer ouvir de novo? Vamos lá, quatro vezes!”.

 Moog Modular: George Harrison foi um dos primeiros músicos de rock a utilizar o Moog em gravações. À esquerda, ele explora o instrumento com Ringo Starr. teclas & afins

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HARMONIA E IMPROVISACAO

Após as quatro repetições, a quinta vez leva para a área da dominante E7 (observe que podemos ler o acorde Bm7/E como um E7sus4,9), que prepara a volta à estrofe. Após a reapresentação desta última, vem o Coda, composto por elementos apresentados ao longo da música e agora dispostos de maneira um pouco diferente. O Coda termina com mais uma sequência de acordes ligados por quartas descendentes (bIII – bVII – IV – I).

Concluindo

A análise de “Here Comes the Sun” nos leva a observar detalhes compositivos muito interessantes. A “receita” usada por George Harrison para compor essa música de sucesso contempla poucos elementos, mas muito bem elaborados: melodia simples; métrica irregular; harmonia “diferente” no refrão, que utiliza dois acordes emprestados pela tonalidade homônima menor e ligados em uma sequência de quartas descendentes. Tudo, como se diz, “bem bolado”. Parece-me que podemos aproveitar para perceber um “segredinho”: a genialidade pode estar na simplicidade. Até a próxima!

Turi Collura Pianista, compositor, atua como educador musical e palestrante em instituições e festivais de música pelo Brasil.  Autor dos métodos “Rítmica e Levadas Brasileiras Para o Piano” e “Piano Bossa Nova”, tem se dedicado ao estudo do piano brasileiro. É autor, também, do método “Improvisação: práticas criativas para a composição melódica”,  publicado pela Irmãos Vitale. Em 2012, seu CD autoral “Interferências” foi publicado no Japão. Seu segundo CD faz uma releitura moderna de algumas composições do sambista Noel Rosa. Entre outras atividades, Turi é Coordenador Pedagógico do site www.terradamusica.com.br onde ministra os cursos online de “Piano Blues & Boogie”, e de “Improvisação e Composição Melódica”  www.turicollura.com - www.terradamusica.com.br  66 / JULHO 2015

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